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7 estilos de pintura principales: del realismo al abstracto

7 estilos de pintura principales: del realismo al abstracto

Parte de la alegría de pintar en el siglo XXI es la amplia gama de formas de expresión disponibles. A finales del siglo XIX y XX, los artistas dieron grandes pasos en los estilos de pintura. Muchas de estas innovaciones fueron influenciadas por los avances tecnológicos, como la invención del tubo de pintura metálica y la evolución de la fotografía, así como los cambios en las convenciones sociales, la política y la filosofía, junto con los eventos mundiales.

Esta lista describe siete estilos principales de arte (a veces denominados "escuelas" o "movimientos"), algunos mucho más realistas que otros. Aunque no formará parte del movimiento original, el grupo de artistas que generalmente compartieron el mismo estilo de pintura e ideas durante un tiempo específico de la historia, todavía puede pintar en los estilos que usaron. Al aprender sobre estos estilos y ver lo que los artistas que trabajan en ellos crearon y luego experimentar con diferentes enfoques usted mismo, puede comenzar a desarrollar y nutrir su propio estilo.

Realismo

Turistas fotografiando Mona Lisa, el Louvre, París, Francia. Peter Adams / Getty Images

El realismo, en el que el tema de la pintura se parece mucho a lo real en lugar de ser estilizado o abstraído, es el estilo que mucha gente piensa como "verdadero arte". Solo cuando se examinan de cerca, lo que parecen ser colores sólidos se revelan como una serie de pinceladas de muchos colores y valores.

El realismo ha sido el estilo de pintura dominante desde el Renacimiento. El artista usa la perspectiva para crear una ilusión de espacio y profundidad, configurando la composición y la iluminación de tal manera que el sujeto parezca real. La "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci es un ejemplo clásico del estilo.

Pictóricamente

Henri Matisse - Platos y frutas 1901.

Galería de Gandalf / Flickr

El estilo pictórico apareció cuando la Revolución Industrial barrió Europa en la primera mitad del siglo XIX. Liberados por la invención del tubo de pintura de metal, que permitió a los artistas salir del estudio, los pintores comenzaron a centrarse en la pintura misma. Sin embargo, los sujetos se mostraron realistas, los pintores no hicieron ningún esfuerzo por ocultar su trabajo técnico.

Como su nombre lo indica, el énfasis está en el acto de pintar: el carácter de la pincelada y los pigmentos mismos. Los artistas que trabajan en este estilo no intentan ocultar lo que se usó para crear la pintura alisando la textura o las marcas dejadas en la pintura con un pincel u otra herramienta, como una espátula. Las pinturas de Henri Matisse son excelentes ejemplos de este estilo.

Impresionismo

Instituto de Arte de Chicago. Scott Olson / Getty Images

El impresionismo surgió en la década de 1880 en Europa, donde artistas como Claude Monet intentaron capturar la luz, no a través del detalle del realismo, sino con gestos e ilusiones. No necesita acercarse demasiado a los nenúfares de Monet o los girasoles de Vincent Van Gogh para ver los trazos de color audaces, sin embargo, no hay duda de lo que está viendo.

Los objetos conservan su apariencia realista pero tienen una vitalidad sobre ellos que es exclusiva de este estilo. Es difícil creer que cuando los impresionistas mostraban sus obras por primera vez, la mayoría de los críticos la odiaban y ridiculizaban. Lo que entonces se consideraba un estilo de pintura sin terminar y áspero ahora es amado y venerado.

Expresionismo y fauvismo

Edvard Munch's Scream, MoMA NY.

Spencer Platt / Getty Images

El expresionismo y el fauvismo son estilos similares que comenzaron a aparecer en estudios y galerías a principios del siglo XX. Ambos se caracterizan por el uso de colores atrevidos y poco realistas, elegidos no para representar la vida tal como es, sino más bien, tal como la siente o le parece al artista.

Los dos estilos difieren en algunos aspectos. Los expresionistas, incluido Edvard Munch, buscaban transmitir lo grotesco y el horror en la vida cotidiana, a menudo con pinceladas hiper-estilizadas e imágenes horribles, como solía tener un gran efecto en su pintura "El grito".

Los fauvistas, a pesar de su novedoso uso del color, buscaron crear composiciones que representaran la vida en una naturaleza idealizada o exótica. Piense en los bailarines de Henri Matisse o en las escenas pastorales de George Braque.

Abstracción

Obra de arte de Georgia O'Keeffe, la pintura más grande en el Instituto de Arte de Chicago. Charles Cook / Getty Images

A medida que se desarrollaron las primeras décadas del siglo XX en Europa y América, la pintura se volvió menos realista. La abstracción se trata de pintar la esencia de un tema tal como lo interpreta el artista, en lugar de los detalles visibles. Un pintor puede reducir el tema a sus colores, formas o patrones dominantes, como lo hizo Pablo Picasso con su famoso mural de tres músicos. Los artistas, todas las líneas y ángulos agudos, no parecen en lo más mínimo real, sin embargo, no hay duda de quiénes son.

O un artista podría eliminar el tema de su contexto o ampliar su escala, como lo hizo Georgia O'Keeffe en su trabajo. Sus flores y conchas, despojadas de sus finos detalles y flotando sobre fondos abstractos, pueden parecerse a paisajes de ensueño.

Abstracto

Sothebys Contemporary Art Sale. Cate Gillon / Getty Images

El trabajo puramente abstracto, como gran parte del movimiento expresionista abstracto de la década de 1950, rehuye activamente el realismo, deleitándose en el abrazo de lo subjetivo. El tema o el punto de la pintura son los colores utilizados, las texturas de la obra de arte y los materiales empleados para crearla.

Las pinturas de goteo de Jackson Pollock pueden parecer un desastre gigantesco para algunos, pero no se puede negar que los murales como "Number 1 (Lavender Mist)" tienen una calidad dinámica y cinética que atrae su interés. Otros artistas abstractos, como Mark Rothko, simplificaron su tema a los colores. El campo de color funciona como su obra maestra de 1961 "Naranja, rojo y amarillo" son solo eso: tres bloques de pigmento en los que puedes perderte.

Fotorrealismo

Museo Whitney de Arte Americano. Spencer Platt / Getty Images

El fotorrealismo se desarrolló a fines de los años sesenta y setenta como reacción al expresionismo abstracto, que había dominado el arte desde los años cuarenta. Este estilo a menudo parece más real que la realidad, donde no se deja de lado ningún detalle y ningún defecto es insignificante.

Algunos artistas copian fotografías proyectándolas en un lienzo para capturar con precisión detalles precisos. Otros lo hacen a mano alzada o usan un sistema de cuadrícula para agrandar una impresión o una foto. Uno de los pintores fotorrealistas más conocidos es Chuck Close, cuyas tomas en la cabeza del tamaño de un mural de artistas y celebridades se basan en instantáneas.